Музыка занимает ни с чем не сравнимое место в культурном и личном образовании, и, наверное, потому музыка играет важную роль в театре. Её преимущества бесчисленны: она позволяет выразить эмоции и чувства, усилить чувствительность, вносит новые интерпретации, налаживает живые взаимоотношения с героями спектакля, создает атмосферу радости и расслабления. Именно потому велико значение в становлении личности слушания и исполнения хоровых произведений, а также песен и сольных партий. Спектр их широк - от классики Россини до музыки из фильмов Уолта Диснея и других музыкальных произведений. Музыканты в них обретают амплуа актера и предлагают своим зрителям шоу, которое всегда живое, разнообразное и незабываемое.
Все это делает музыку не только важнейшей сферой для человека, но и неотъемлемым звеном театрального искусства.
Истоки симбиоза музыки и театра можно найти еще в античном мире.
Считается, что греческий театр родился в минойской цивилизации (2700 г. до н.э. - 1200 г. до н.э.) на Крите. Эта цивилизация, которая первой начала развиваться в бассейне Эгейского моря, изобрела для себя театр, чтобы удовлетворять потребности в развлечениях своего постоянно растущего населения.
Само рождение театра загадочно. Но, безусловно, связано с изобретением масок около 2500 г. до н.э. преобразовала этот тип зрелища, привнеся в него свою культуру.
В период развития греческих городов (900 г. до н.э. - 348 г. до н.э.) театр пережил небывалое развитие.
Впоследствии традицию перехватят римляне, которых очень привлекала и очаровывала греческая культура.
Сегодня театр - обыденное зрелище современного обществах.
Вернемся к Древней Греции.
В Греции, в Афинах искусство театра обрело пристанище: полукруглое здание на склоне холма, с пространством, чтобы приветствовать зрителей, со сценой, где играли актеры и со стенами - раздольем для художников.
Место, где было построено здание, избиралось исходя из акустических качеств, потому что актерам было непросто говорить так, чтобы их слышала публика.
Во всех театрах была приподнятая сцена, называемая «проскенион», а также «оркестр», иногда круговой или полукруглый, на котором сидели танцоры, хор и музыканты.
Доступ к трибунам осуществлялся через два больших боковых портика, расположенных в нижней части здания. Трибуны (называемые «коилоны») делали из камня или дерева, в зависимости от местных ресурсов. Они всегда были против холма.
В центре здания находится «тимел» - жертвенник, посвященный жертвоприношениям Дионису.
Греческие театры не были закрыты сценической стеной, но были открыты для лицезрения окружающего пейзажа и природы.
 |
| Театр и храм Аполлона в Дельфах (реконструкция) |
В то время существовало два типа репрезентации:
- комический театр, главную роль в котором играл персонаж, заставляющий публику смеяться, и
- трагический театр, целью которого был показ пьесы, вызывающей эмоции у зрителей.
 |
| Жозеф-Бенуа Сюве (1743-1807) «Ахилл бросает тело Гектора к ногам мертвого Патрокла» |
Считается, что религиозные церемонии, проводимые в честь Диониса, бога винограда и вина, дали начало театру. Первоначально во время праздников, посвященных Дионису, группа людей пела и танцевала вокруг тимеле (алтаря Диониса), где приносились в жертву богу виноградной лозы различные животные. В Афинах эти церемонии постепенно трансформировались: актера (лицемера) ставили перед группой людей, которые пели (хор). Актер взаимодействовал с хором певцов.
Самые ранние греческие пьесы были трагедиями: пьесами, в которых рассказывались печальные, иногда драматические истории о богах и героях. В течение последних трех дней фестиваля проходили соревнования поэтов. Каждый день поэт, выбранный правительством города Афин, представлял три пьесы.
В Греции существовало три основных театральных фестиваля:
- Дионисии (с декабря по январь)
- Ленеенн (с января по февраль)
- Великий Дионисий (с марта по апрель).
Победитель награждался козой. Ему предстояло представить три трагедии и сатирическую драму.
Все жители Афин получали приглашения на спектакли, а самые бедные получали немного денег, чтобы они перестали работать и пойти в театр. Женщин, рабынь и иностранцев не пускали на представления, потому что они не считались гражданами.
Актеры одевались в белые туники. Они носили маски. Благодаря маскам и костюмам зрители легко узнавали персонажей и понимали, что происходит на сцене. Трагедия всегда включала речевую часть: диалоги актеров. Также были эпизоды в исполнении хора.
Декорации были просты: они рисовались на больших кусках ткани и развешивались на стенах зданий за сценой. Актеры выходили на сцену через двери этих зданий; трагедии всегда были действиями, происходящими на открытом воздухе. Зрители воображали эпизоды, происходящие внутри: автор ставил на сцену своеобразную катящуюся платформу (ekkyklèma), на котором были размещены картины, изображающие части истории, где персонажи находятся в зданиях (обычно во дворцах).
Иногда актеры словно падали с неба. На балкон (theologéion) над сценой их ставил своего рода журавль (менаше): «летающие» актеры чаще всего играли роли богов.
Комедиями называли забавные пьесы, призванные рассмешить зрителей. Самый известный поэт этого жанра - Аристофан; он написал сорок четыре комедии, но до наших времен дошли только одиннадцать. Мудрость, мир и природа были теми великими идеями, которые он воспевал в своем творчестве, высмеивая людей своего времени.
 |
| Лира |
Рабы, слуги и шуты были обычными комедийными персонажами. Актеры носили гротескные маски с искаженными гримасами чертами лица.
В чем же заключалась роль музыки?
Музыка была после актеров главным элементом спектакля. В начале становления театра в Греции, то есть между девятым и пятым веком до нашей эры был доступен только один инструмент: пан-флейта. Позднее появились лира, цитра, сиринкс, труба и даже орган.
Сценические выступления невозможно было представить без музыкального сопровождения. Тональность выбиралась в соответствии с ролью, низкие и высокие частоты подчеркивали диалоги отцов и сыновей в комедиях. Музыку играли тибицины (флейтисты).
Музыка оживляла действие для зрителя: если планировалась сцена битвы, то вперед выходили трубачи и издавали звук победы. Если сцена показывала чью-то смерть, то в действие вступали исполнители на органе, лире и цитре, которые извлекали звуки, вызывающие соответствующие эмоции зрителей.
Итак, музыка сыграла важную роль в успехе театрального искусства, которое распространилось по Европе во времена Древней Греции и Рима.
 |
| Реконструкция сцены римского театра |
В России важнейшим событием культурной жизни не только страны, но и всего мира, значимым и по сей день становится открытие московского Художественного театра (1898 г.), основанного В. И. Немировичем-Данченко и К.С. Станиславским.
 |
| В. И. Немирович-Данченко |
 |
| К.С. Станиславский |
Обладая схожим театральным опытом и интересами, соучредители будущего МХАТ встретились, и было решено, что Станиславский будет постановщиком, а на Немировича-Данченко будут возложены литературные и административные обязанности. Оригинальная труппа состояла из артистов-любителей из Художественно-литературного общества и драматических классов Московской филармонии, где преподавали Станиславский и Немирович-Данченко. Под влиянием немецкой Meininger Hoftheatertruppe, Станиславский начал разработку системы подготовки актеров, которая позволяла реалистично исполнять любую роль в любой ситуации.
После 70 репетиций в октябре 1898 года МХАТ открылся постановкой Алексея Толстого «Царь Федор Иоаннович».
После русской революции театр получил решающую поддержку со стороны В. И. Ленина и А. В. Луначарского, первого комиссара просвещения в Советском Союзе, а в 1922 году Художественный театр гастролировал по Европе и США, получив признание мировой критики.
 |
| МХАТ |
Успешные гастроли театра в Лондону в конце 1950-х - начале 60-х установили его превосходство в мировом театре. Московский Художественный театр оказал огромное влияние на театры всего мира. Прежде всего под его влиянием были созданы ряд экспериментальных студий (например, Театр Вахтангова, Реалистический театр, Театр Габима, Музыкальную студию Немировича-Данченко). В настоящее время практически все профессиональные учебные заведения в процессе обучения актерской игре используют методы Константина Станиславского.
Московский Художественный театр им. Чехова
Памятник К. Станиславскому и В.И. Немировичу-Данченко
Здесь формируются новые принципы оформления спектаклей, актерского мастерства, режиссуры. Работы нового театра были восторженно приняты демократически настроенной публикой, но консервативные издания (к примеру, газета "Новое время") отнеслись к художественным экспериментам театра довольно сдержанно и были подвергнуты критике.
В 1987 году из-за профессиональных различий театр разделился на две труппы - МХАТ им. Горького и МХТ им. Чехова.
Столь же демократически настроенным был репертуар возникшего в Петербурге театра В.Ф. Комиссаржевской.
Театр открылся 18 октября 1942 года как Городской театр. Осенью 1944 года он был переименован в Ленинградский драматический театр. На этой сцене начинали творческий путь Алиса Фрейндлих, Игорь Дмитриев, свои пьесы представляли молодые, пока еще неизвестные драматурги Даниил Гранин и Александр Галич. В 1959 году ему было присвоено имя Веры Комиссаржевской. Театр унаследовал здание и имя Веры Комиссаржевской, великой актрисы, музы режиссера Всеволода Мейерхольда конца 19 века.
 |
| Вера Федоровна Комиссаржевская, графиня Муравьева (родилась 27 октября [8 ноября по новому стилю] 1864 года, Санкт-Петербург, Россия - умерла 10 февраля [23 февраля] 1910 года, Ташкент, Российская Империя) |
Отец Комиссаржевской, Федор, был выдающейся оперной звездой и педагогом, среди учеников которого числился и молодой Константин Станиславский. Отец стал наставников для Веры и ее брата Федора. В 1891 году Комиссаржевская появилась в роли Бетси в первой российской постановке Льва Толстого «Плоды просвещения» Станиславского. Гастроли по провинции продолжались до 1896 года, когда она была приглашена в Императорский театр (Александринский) в Санкт-Петербурге, чтобы сыграть Рози в «Битве бабочек» Германа Судермана и Ларису в пьесе А.Н. Островского «Бесприданница».
Разногласия с руководством Александринского театра привели к тому, что Комиссаржевская рассталась с труппой в 1902 году, а в 1904 году она открыла собственный театр в Санкт-Петербурге. В течение следующих пяти лет ее театр поставил произведения Максима Горького, Генрика Ибсена, Мориса Метерлинка и Александра Блока. Однако убытки и неудачный тур по США в 1908 году привел к закрытию театра в 1909 году. Сама Комиссаржевская умерла во время поездки по провинции, которая должна была покрыть ее огромные долги.
Театр Комиссаржевской, хотя и непродолжительно существовавший, оказал большое влияние на грядущую трансформацию русского театра. Среди тех, кто работал с ней компанией, были ее брат Федор, а также В.Е. Мейерхольд и Николай Евреинов.
18 октября 1942 года, в самый тяжелый период блокады, открылся новый «Городской театр» под руководством Константина Симонова. В состав его труппы вошли артисты Радиокомитета и Драматического театра им. А.С. Пушкина и И. Горина, режиссером был И. Сонне. Позже к основной труппе присоединились артисты Нового Театра юных зрителей и агитационного отряда Красной Армии. Театр укреплял моральный дух горожан и помогал выжить блокадникам Ленинграда.
Основатель московского Камерного театра (1914 г.) А.Я. Таиров стремился к созданию "синтетического театра" романтического и трагедийного репертуара, для чего требовались актеры универсальные, виртуозного мастерства.
 |
| Александр Яковлевич Таиров, настоящее имя Александр Корнблит, родился 24 июня 1885 г., Ромны, Россия - умер 25 сентября 1950 г., Москва |
Александр Таиров предпочитал работать для своей небольшой аудитории, которая понимала его идеи. Первым спектаклем, поставленным в Камерном театре, стала «Шакунтала» по произведению индийского драматурга Калидаса. После «Шакунталы» были поставлены «Фамира, игрок Китхара» и «Федра».
Таиров громко заявил о себе сразу после революции. В то время, когда Соединенные Штаты разорвали дипломатические отношения с зарождающимся Советским Союзом, Таиров представлял московской публике произведения американского драматурга Юджина О'Нила. Стиль Таирова был авангардным, особенно в постановочных решениях.
Во время Великой Отечественной войны Камерный театр показывал спектакли в городе Балхаш Карагандинской области. В 1945 году Таиров был награжден орденом Ленина. Год спустя правительство издало постановление, запрещающее постановки иностранных драм в театрах. Режиссерам предлагали ставить пьесы драматургов соцреализма. Таиров был против, поэтому судьба театра была решена. Он закрылся в 1949 году. «Адриенн Лекуврёр» была последней постановкой театра.
А. А. Веснин (1883-1959)
Историки отмечают ведущую роль Александра Веснина в ранних конструктивистских проектах братьев Весниных между 1923 и 1925 годами. Александр стал наиболее заметной фигурой за пределами архитектурной практики семейства, осуществив ряд проектов в области сценографии и в качестве художника-абстракциониста. Веснин попал под влияние супрематической школы абстрактной мистической геометрии Казимира Малевича. Он подготовил между 1919 и 1923 годами ряд монументальных уличных экспозиций для шествий и парадов в сотрудничестве с художницей Любовью Поповой, которая вместе с Александром Родченко, Владимиром Татлиным и Варварой Степановой.
Любовь Попова была одним из представителей конструктивистского течения современного искусства.
 |
| Попова Любовь (1889-1929) |
Позже они вместе работали над проектом по пьесе Всеволода Мейрхольда «Великодушный рогоносец» (1922) и постановкой по пьесе Г. К. Честертона «Человек, который был четвергом». Оба проекта были новаторскими с точки зрения мобильности, масштаба и художественной композиции, полностью адаптированы для авансцены, для театрального действа в окружении публики.
Футуристов и конструктивистов начала 1920-х годов выступали за привнесение искусства и живого театра на фабрики для превращения искусства в жизнь.
 |
| Декорации для спектакля «Человек, который был Четвергом» (московский Камерный театр, 1923, режиссер А. Я. Таиров) |
Центрами музыкальной и театральной жизни становятся Мариинский и Большой театры, а также частные оперы Мамонтова и Зимина.
 |
| Императорский Мариинский театр Гордость России - Большой театр - один из важнейших оперных и балетных театров мира, наряду с Ла Скала в Италии и Конвент-Гарденом в Англии. История Большого театра славна и в то же время запутана. Например, у Большого две даты рождения - март 1776 года и январь 1825 года. В марте 1776 года князь Петр Васильевич Урусов получил разрешение от императрицы Екатерины II на "содержание театральных представлений, концертов и маскарадов". Поэтому князь начал строительство театра, который по своему месту расположения на Петровской площади получил название Петровский. Но первый русский театр в Москве сгорел еще до открытия. В результате дела князя пришли в упадок. Свой бизнес он передал партнеру, англичанину Михаилу Медоксу. Именно благодаря ему на пустошах, регулярно затопляемых Неглинкой, несмотря на все пожары и войны, рос театр, потерявший географическую приставку Петровский и оставшийся в истории как Большой театр. Петровский театр при Медоксе просуществовал 25 лет - в 1805 году здание сгорело (сгорело и строилось несколько раз). В 1821-1824 годах по проекту Михайлова и Бовета и было построено монументальное здание, которым восхищаются и сегодня. На Театральной площади появился великолепный осьмиколонное здание театра с колесница бога Аполлона на портике - символ непрерывного движения искусства и жизни. Великолепное здание в классическом стиле, с интерьерами в красных и золотых тонах, было, по мнению современников, лучшим театром Европы и уступало только итальянскому «Ла Скала». Его торжественное открытие состоялось в январе 1825 года. |
 |
| Большой театр |
Большой театр в Москве - одно из лучших театральных зданий мира. Пятирядный зрительский зал славится своими размерами и великолепной акустикой, он украшен золотой гравировкой, настенной росписью на потолке, огромной хрустальной люстрой в несколько рядов. Зал имеет высоту 21 метр, длину 25 метров и ширину 26 метров. В зале 2153 места. Перед Большим театром раскинулся сквер с фонтаном.
Официальная хронология Большого театра начинается с 1776 года, и потому в 2006 году отмечалось 230-летие Большого театра.
На протяжении всего своего существования Большой театр был центром притяжения лучших сил русского оперного и балетного искусства. На сцене этого театра дебютировали выдающиеся произведения русских композиторов, имена самых известных певцов, оркестровых дирижеров, режиссеров, мастеров хореографии занесены в его почетные списки. Слава театра уже давно гремит за пределами страны.
 |
| Частная опера Саввы Мамонтова |
Частная опера, также известная как:
- Русская Частная Опера;
- Московская частная русская опера;
- Частная русская опера Мамонтова в Москве;
- Театр Короткова (Россия, 1885–1888);
- Театр Винтера (Россия , 1896-1899);
- Частное оперное общество (Россия ); а также
- Солодовников театр, с 1895, позже
- опера Зимина,
- театр оперетты в Москве, и
- Геликон опера.
Это частная опера, основанная в 1885 году известным русским промышленником и меценатом Саввой Мамонтовым, который сам осуществлял постановки оперы, дирижировал оркестром, обучал актеров, певцов и оплачивал все расходы.
Сначала опера функционировала в усадьбе Абрамцево, что к северу от Москвы. Осенью 1896 году к труппе присоединился Федор Шаляпин, а осенью 1897 году - Сергей Рахманинов, занявший пост ассистента дирижера.
Мамонтов объединил в своем театре самых талантливых певцов, таких как Надежда Забела-Врубель, Петр Лодий, Владимир Лосский, Петр Оленин, Вера Петрова-Званцева, Надежда Салина, Антон Секар-Рожанский, Федор Шаляпин, Николай Шевелев, Василий Шкаферов и другие.
С оперой Морозова сотрудничали такие композиторы, как Сергей Василенко, Михаил Ипполитов-Иванов, Василий Калинников, Сергей Рахманинов, Николай Римский-Корсаков.
Оформление и костюмы для опер разрабатывали такие художники, как братья Виктор и Аполлинарий Васнецовы, Константин и Сергей Коровины, Михаил Врубель, Михаил Нестеров, Исаак Левитан, Сергей Малютин, Василий Поленов, Валентин Серов, Виктор Симов, Николай Чехов, Александр Янов, Наталья Гончарова и Иван Билибин.
За успехом «Частной оперы» в провинции последовал триумф в Москве. В Москве опера располагалась в доме на Большой Дмитровской улице, известном как «Театр Солодовникова», построенном в 1894–1895 годах русским купцом и меломаном Гаврилой Солодовниковым (1826–1901). Позже дом сгорел, и Частная опера переехала в театр «Парадис» на Большой Никитской улице, 19/13 (ныне Театр Маяковского).
 |
| Театр «Парадис» |
В репертуар вошли многие оперы зарубежных композиторов, а также произведения русских композиторов:
1885 г. - «Жизнь за царя» Михаила Глинки;
1885 г. - «Снегурочка» Николая Римского-Корсакова;
1885 г. - «Русалка» Александра Даргомыжского;
1886 г. - «Каменный гость» Александра Даргомыжского;
1886 в - «Рогнеда» Александра Серова;
1886 г. - «Князь Игорь» Александра Бородина;
1886 - «Демон» Антона Рубинштейна;
1897 г. - «Садко» Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1897 г. - «Хованщина» Модеста Мусоргского;
1898 г. - «Борис Годунов» Модеста Мусоргского;
1898 г. - «Моцарт и Сальери» Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1898 г. - «Бояриня Вера Шелога» Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1898 г. - «Юдифь» Александра Серова;
1899 г. - «Царская невеста» Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1899 г. - «Орлеанская дева» Петра Чайковского;
1900 г. - «Мазепа» П.И. Чайковского;
1900 г. - «Сказка о царе Салтане» Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1900 г. - «Ася» М. Ипполитова-Иванова;
1901 г. - «Купец Калашников» Антона Рубинштейна;
1902 г. - « Руслан и Людмила» Михаила Глинки;
1902 г. - « Кащей Бессмертный » Николая Римского-Корсакова - мировая премьера;
1903 г. - «Сказание о великом граде Китеже и тихом озере Светояр» Сергея Василенко и др.
В конце 1890-х Мамонтов объединил большой участок земли в центре Москвы, напротив Театральной площади под строительство большого общественного центра со своим оперным залом и роскошной гостиницей. Он назначил Уильяма Уолкота ведущим архитектором, однако в 1899 году Мамонтов был арестован и предан суду за хищение, связанное со строительством Ярославской железной дороги. Проект, получивший название «Отель Метрополь», завершила Петербургская страховая компания, но уже без театра в составе.
С 1899 по 1904 год труппа функционировала без Мамонтова и сменила название на «Частное оперное общество». Его директором и дирижером стал Михаил Ипполитов-Иванов.
В 1909 году театр закончил свою деятельность постановкой оперы Н. Римского-Корсакова «Золотой петушок», его первая мировая премьера в качестве «Театра Солодовникова», но еще в и в качестве оперы Зимина.
 |
| Федор Шаляпин |
Русский оперный певец Федор Шаляпин родился в 1873 году в Казани. Свою карьеру начал в 1894 году в Тбилиси и в Императорской опере в Санкт-Петербурге. Затем его пригласили петь в частной опере Мамонтова (1896–1899); его первая роль была в роли Мефистофеля в Гуно Фауст, в котором он был значительный успех. В то время в на оперной сцене России царствовали три великих баса: могучий Лев Сибиряков, более лиричный Владимир Касторский и Дмитрий Бухтояров, чей голос был промежуточным между голосами Сибирякова и Касторского. Последний спектакль Шаляпина состоялся в Опере Монте-Карло в 1937 году в партии Бориса. Он умер в следующем году от лейкемии в возрасте 65 лет в Париже.
Фёдор Шаляпин - Вдоль по Питерской
Леонид Собинов родился в Ярославле в 1872 году. Учился у тенора профессора Додонова. Брал дополнительные уроки у Александры Сантагано Горчаковой. В 1897 году прошел прослушивание в Большой театр, которое принесло ему двухлетний контракт.
 |
| Леонид Собинов, около 1910 года |
Пел в операх «Руслан и Людмила», «Фауст», «Манон», «Князь Игорь», «Евгений Онегин», «Халка», «Риголетто», «Тангейзер» (Вальтер фон дер Фогельвейде) и в опере Иванова «Забава Путятишна». В 1899 году добавил в свой репертуар Андрея (Мазепа), Жеральда (Лакме) и Жермона. Звездой Большого театра был Николай Фигнер, но Собинов был ему равным во всех отношениях. Чтобы расширить свой репертуар он добавил теноровые роли в «Марте», «Вертере», «Миньоне» и «Ромео и Джульетте».
В конце 1903 года он спел нашумевшую партию Надира с великой Антониной Неждановой. В 1904 году он дебютировал в Ла Скала в роли Эрнесто. Следующими ролями были Лоэнгрин и Вертер. В 1909 году, спел партию Левко в «Майской ночи» Римского-Корсакова и сменил партию Баяна на Финна в «Руслане и Людмиле». За несколько месяцев до начала Первой мировой войны Собинов появился в новой роли, Каварадосси. Революция дала ему второй шанс. В отличие от других российских артистов, таких как Шаляпин, Кузнецова, Метнер, Рахманинов и Давыдов, он предпочел остаться. Ему дали административный пост в Севастополе. В последний раз он выступал на концерте в 1921 году. В том же году он был назначен директором Большого театра, но после нескольких месяцев ушел в отставку, чтобы вернуться к концертной жизни. Умер от сердечного приступа в 1934 году.
Всем известна трогательная и грустная история «Снегурочки», авторами которой являются А. Н. Островский и Н. А. Римский-Корсаков. Партию нежной девушки, дочери Весны-Красны и Мороза, по задумке автора, исполняет колоратурное сопрано. Такой высокий тон голоса, напоминающий хрустальный колокольчик, который мог передать как звук капель, так и ледяное серебро, связанное с образом Снегурочки.
Колоратурное сопрано в классификации певческих голосов занимает высшую строчку. Это голос, который может звучать в самом высоком регистре. Кроме того, это самый подвижный голос, поэтому его называют колоратурой. Умеет реализовывать сложнейшие вокальные драгоценности - колоратуру.
Антонина Нежданова. Дж. Россини.Каватина Розины из оперы "Севильский цирюльник". 3 мая 1913.
Antonina Nezhdanova. G. Rossini. Rosina's Cavatina from the opera "The Barber of Seville". Recorded May 3, 1913.
Колоратурное сопрано подразделяется на драматическое и лирическое сопрано. Но есть голоса, которые можно сочетать с сопрано, из них можно формировать самые разные партии и образы. Таким неповторимым лирико-колоратурным сопрано и была великая русская певица Антонина Нежданова.
 |
| Михаил Михайлович Фокин |
Реформу балетного театра того времени осуществляет Михаил Фокин. Фокин родился в Санкт-Петербурге в семье зажиточного купца и в 9 лет был принят в Санкт-Петербургское Императорское хореографическое училище (ныне Академия балета Вагановой). В том же году он дебютировал в спектакле «Талисман» под руководством Мариуса Петипа. В 1898 году, в день своего 18-летия, он дебютировал на сцене Императорского Мариинского театра в «Пахите» с Императорским русским балетом. Помимо того, что Фокин был талантливым танцором, он был талантливым живописцем. Играл на музыкальных инструментах, в том числе на мандолине (в ансамбле под руководством Гинислао Париса), на домре и балалайке (в Великом русском оркестре Василия Андреева).
 |
| Михаил и Вера Фокины |
Разочаровавшись в карьере танцора, Михаил Фокин рассматривает другие пути самореализации, в том числе живопись. В 1902 году ему предложили должность преподавателя в Императорском хореографическом училище. В это время он изучает художественные возможности хореографии. В 1905 году он создает свой первый балет Acis et Galaté e, который был поставлен его учениками и основан на сицилийской легенде. Среди его учеников были Деша Дельтейл и Бронислава Нижинская.
Среди ранних работ Фокина - балеты «Ацис и Галатея» (1905) и «Умирающий лебедь» (1907), сольный танец Анны Павловой на музыку Лебедя. "Ацис и Галатея" представлял собой акробатический танец с юными мальчиками, играющими фавнов, одним из которых был Вацлав Нижинский. Фокин и позднее представлял Нижинского в балетах, в том числе в балетах «Шопениана» (1907), переименованных в «Сильфиды» в 1909 году.
 |
| Фокин в роли призрака в спектакле Русских сезонов «Призрак розы», 1914 г. |
В 1909 году Сергей Дягилев пригласил Фокина стать постоянным хореографом первого сезона Русских балетов в Париже. В Ballets Russes он принял участие в создании балета по «Шахерезаде» Николая Римского-Корсакова, премьера которого состоялась в 1910 году. Балет был вдохновлен симфоническими стихами Римского-Корсакова и сказкой «1001 ночь». Несмотря на недостаточную историческую достоверность, балет имел успех благодаря ярким краскам, экзотичности и сексуальному подтексту. В постановке 1910 года Нижинский сыграл Золотого раба.
 |
| Фокин в костюме Люсьена д'Эрвилли в постановке Мариуса Петипа 1905 года по балету «Пахита» |
Балет «Жар-птица» (1910) с музыкой, написанной Игорем Стравинским, также была создана творческим «комитетом», работавшим с Фокиным на "Шахерезаде". Балет вдохновлялся вагнеровским понятием Gesamtkunstwerk - использованием синтеза музыки, драмы, зрелища и танца для создания сложного произведения искусства. Балет «Петрушка» (1912), музыку для которого также написал Стравинский, а декорации создал Александр Бенуа, был вдохновлен традиционной русской куклой-марионеткой, которая веселила народ на Масленичной ярмарке.
 |
| Игорь Федорович Стравинский (1882–1971) - русский композитор и дирижер |
В этот балет Фокин включил уличных танцоров, коробейников, медведей - большой ансамбль персонажей, дополняющих сюжет. В центре сюжета - зловещий Волшебник (Энрико Чекетти) и его три марионетки: Петрушка (Нижинский), Балерина (Тамара Карсавина) и дикая мавра (Александр Орлов). Балет Фокина «Призрак розы» (1911) представил Нижинского как дух розы, подаренной молодой девушке. Выход Нижинского показывал, как из окна спальни молодой девушки вылетает грандиозный самолет. В 1912 году Фокин экранизировал «Дафниса и Хлою».
 |
| Alexandre Benois (Алексaндр Николaевич Бенуa) - 1870-1960 |
Фокин покидает «Русский балет» в 1912 году. В 1914 году Дягилев убедил Фокина вернуться в «Русский балет». В этот период были созданы балеты «Мидас», «Легенда об Иосифе» и «Золотой коктейль». Парижская премьера «Золотого петушка» русских сезонов в 1914 году - это оперный балет, созданный под руководством Фокина и с декорациями Натальи Гончаровой.
 |
| Наталья Сергеевна Гончарова (1881-1962) |
В 1914 года Фокин переехал в Швецию, а затем в Нью-Йорк. Здесь в 1921 году он основывает балетную школу и продолжает выступления совместно с женой, Верой Фокиной.
Одной из его учениц стала Патриция Боуман. К 1924 году он организовал труппу American Ballet, которая регулярно выступала в Метрополитен-опера и гастролировала по Соединенным Штатам. Первой работой труппы стала комедия «Синяя борода» на музыку Жака Оффенбаха.
 |
| Патриция Боуман |
«Сильфиды» был первой постановкой в Американском театре балета 11 января 1940 года. В 1937 году Фокин присоединился к группе «Русские балеты», созданной Василием де Базилем, которая получила название «Оригинальный русский балет». Среди новых произведений Фокина, созданных в этот период, были «Сендриллон» (1938) и « Паганини» (1939). С хореографией Фокина труппа выступала до 1941 года.
Всего Михаил Фокин поставил более восьмидесяти балетов в Европе и США. Его самыми известными произведениями были «Шопениана», «Карнавал» (1910) и «Павильон д'Армид» (1907). Его произведения по-прежнему исполняются. Мариинский театр в 2011 году организовал ретроспективу работы Фокина в лондонском Ковент-Гардене.
 |
| Александр Бенуа (1870-1960). Les Sylphides, Scene design, 1909. Акварель, тушь, карандаш |
Фокин умер в Нью-Йорке 22 августа 1942 года. В память о его кончине семнадцать балетных трупп по всему миру одновременно исполнили «Сильфиды».
Фокин стремился выйти за рамки традиционного балета. Его метод заключался в использования выразительных средств, языка танца для передачи естественной красоты человека. Он не верил, что виртуозная балетная техника может что-либо символизировать, и мысль могла быть заменена формами, которые лучше выражали эмоции и темы. Фокин твердо верил в коммуникативную силу танца и настаивал на творчестве, которое ломало традиции, считая, что традиция часто отличается от реальности и не может охватить весь спектр человеческих эмоций. Он считал, что если движения не выразительны, они иррациональны, неприемлемы.
 |
| Михаил Фокин в роли Персея в балете «Медуза» |
Он также экспериментировал с перемещением акцента движения с нижней части тела на все тело, с более свободным использованием рук и туловища, задействуя каждую мышцу. Этим Фокин стремился объединить движение с эмоциями и тело с душой, привнося новую жизнь в балет как язык и искусство.
В 1923 году он поставил балет «Фрески Аджанты» для Анны Павловой, вдохновленной ее посещением пещер Аджанты.
В композиторском творчестве наряду с продолжающейся деятельностью Н. А. Римского-Корсакова, намечается развитие нового направления, представители которого отходят от социальной проблематики и обращаются к философско-этическим проблемам (А. Скрябин "Божественная поэма", "Поэма экстаза", проекты "Мистерии", С. Рахманинов "Алеко"), а также к страницам русской истории, преимущественно языческого периода (И. Стравинский "Весна священная", "Петрушка").
Живопись. Наиболее сильными художественными организациями на рубеже столетий в России стали Императорская академия художеств и Товарищество передвижных выставок, к концу века практически разделившее ее творческие позиции и отличающееся лишь в области сюжетно-тематической. Передвижники традиционно представляли "обличительную" тенденцию в искусстве, трансформируя публицистичность своей ранней живописи в сентиментальность, бытописательство.
В исторической теме из-за размывания границ между жанрами происходит рождение историко-бытового жанра (А.П. Рябушкин ("Московская улица XVII в. в праздничный день"), А.В. Васнецов ("Баян"), М.В. Нестеров ("Великий постриг")). И.И. Левитан становится создателем концепционного пейзажа, богатого спектром переживаний.
 |
| А.П. Рябушкин "Московская улица XVII в. в праздничный день" Художник А.П. Рябушкин писал жанровые картины, посвященные в основном праздничной, обрядовой стороне народного быта допетровской Руси. С любовью он относился к русской старине, к традиционному укладу русской жизни. В его картинах практически нет динамического действия. Во всем - размеренность и неторопливость. "Московская улица..." - яркое, красочное полотно, передававшую возникшую в воображении художника реальную сцену городской жизни. На картине - обычные горожане, ничем не замечательные люди. |
 |
| А.В. Васнецов "Баян" |
Интересно творчество певца русского Севера М.В. Нестерова. Вот так он описывает свою работу над знаменитым полотном "Великий постриг" (1898 год, Русский музей):
"...Я дописываю свой "Великий постриг". Кто видел - очень одобряют, быть может, и в самом деле есть что-нибудь (есть там "чистая голубица", кажется, любопытно)...
 |
| М.В. Нестеров "Великий постриг" |
Тема печальная, но возрождающаяся природа, русский север, тихий и деликатный (не бравурный юг), делает картину трогательной, по крайней мере для тех, у кого живет чувство нежное...".
*Постриг является основным действием посвящения в монашество и его степени. Энциклопедический словарь Брокгауза и Эфрона.
Чисто живописные задачи решает К.А. Коровин, представляющий русский вариант импрессионизма.
 |
| К.А. Коровин. Зимой |
Импрессионистическими приемами мастерски владеет В.А. Серов ("Девочка с персиками", "Девушка, освещенная солнцем"), в живописи которого происходит знаменательный поворот от критического реализма передвижников к "реализму поэтическому" (Д.В. Сарабьянов).
В.А. Серов испытал влияние сплотившегося вокруг мецената С.И. Мамонтова абрамцевского художественного кружка.
 |
| Савва Иванович Мамонтов |
Савва Иванович Мамонтов (1841 - 1918) - потомственный купец, выросший в промышленника, меценат, деятель в области русского искусства. Отец Саввы из 10 детей своим преемником выбрал Савву. Мамонтов - человек очень мощной энергетики. Он ярок и противоречив. Коммерческий ум и талант - с одной стороны. С другой - музыкальные и художественные способности, незаурядный вкус, остроумие, благородство. Он притягивал к себе талантливых людей, а природная магия Абрамцево ему в этом помогало.
 |
| Портрет княгини О.П. Орловой |
Однако стремление к художественной трансформации, реальности и выходу на новый символический уровень обобщения приводит Серова к отходу от импрессионистской и реалистической манеры изображения, в которой написан "Портрет княгини О.П. Орловой", перейти к условности модерна ("Похищение Европы").
 |
| Похищение Европы. Валентин Серов. 1910. Москва, Третьяковская галерея |
К символизму тяготели В. Э. Борисов-Мусатов ("Весна") и М.А. Врубель, создавшие в своей живописи одухотворенный, странный и фантастический мир ("Богатырь", "Шестикрылый Серафим").
 |
| В. Э. Борисов-Мусатов "Весна" |
М.А. Врубель, как типичный представитель стиля модерн, был синтетическим художником, проявившим себя в различных видах искусства:
- в театральной декорации (к операм Римского-Корсакова),
- станковой картине ("Царевна Лебедь"),
- монументальном декоративном панно ("Испания"),
- книжной иллюстрации (к Лермонтову),
- майоликовой скульптуре ("Волхова").
Центральным, символико-философским образом Врубеля стал мятежный Демон ("Демон сидящий", "Демон летящий", "Демон поверженный").
Живописно-декоративная живопись В. Э. Борисова-Мусатова близка эстетике художников объединения "Мир искусства", группировавшегося вокруг журнала "Мир искусства". Именно это творческое объединение последовательно противопоставило себя как официальной академии, так и бытописательству передвижников. "Мир искусства" можно рассматривать как естественную реакцию творческой интеллигенции России не только на чрезмерную публицистичность искусства передвижников, но и на политизацию всей культуры в целом. Их творческой задачей стало возвращение искусству его родовой функции - доставлять эстетическое, художественное наслаждение, и факт искусства они предпочитали рассматривать исключительно как эстетический феномен.
"Нас инстинктивно тянуло уйти от отсталости российской художественной жизни, избавиться от нашего провинциализма и приблизиться к культурному Западу, к чисто художественным исканиям иностранных школ, подальше от литературщины, от тенденциозности передвижников... подальше от нашего упадочного академизма".
 |
| Е.Е. Лансере "Петербург начала XVIII в." |
Именно мирискусникам принадлежит первенство в представлении России искусства импрессионистов, творчество которых было незнакомо не только широкому зрителю, но и самим художникам, с удивлением открывавшим для себя в Париже Э. Дега, К. Моне, Э. Манэ, О. Ренуара. Но в западноевропейской живописи, уже успевшей пройти импрессионистическую стадию, утвердилась стилистика модерна. Поэтому в русском варианте стиля модерн, который и представляет "Мир искусства", слились воедино как импрессионизм и модерн, так и академизм.
 |
| Натюрморт со скрипкой" К. С. Петрова-Водкина |
Однако за недовольством художников группировки "упадочным академизмом" стояло нечто большее, чем неудовлетворенность этим конкретным стилем европейской живописи. Большие стили, единство художественного пути, устоявшиеся каноны, общие эстетические ориентации - все это осталось за границами XIX в. Новое искусство оказалось в ситуации множественности стилей, предпочтений, ориентаций, и одними из первых эти перемены в искусстве и культуре почувствовали именно мирискусники.
 |
| А. Н. Бенуа. Парад при Павле I . 1907 г. |
Обилие группировок, "программных выставок", манифестов и деклараций, составляющее характернейшую черту русской художественной жизни начала века, свидетельствовало о том, что перестало существовать само представление о том, "каким должно быть искусство". Единый изобразительный язык, общий для всей европейской живописи со времен Возрождения, сменился множеством художественных наречий, большинство которых к тому же были агрессивны по отношению друг к другу.
 |
| Картина "Зима. Каток", К. А. Сомов, 1915 |
Для ранних мирискусников характерны обращение к истории, интерпретацию XVIII в. представляют работы К.А. Сомова ("Зима. Каток"), А.Н. Бенуа ("Парад при Павле I"), Е.Е. Лансере ("Петербург начала XVIII в."). Работы Л.С. Бакста оказываются наиболее близкими общеевропейскому варианту модерна, к языческой славянской и скандинавской древности тяготеет творчество Н.К. Рериха ("Иноземные гости").
 |
| Н.К. Рерих "Иноземные гости" |
Корень подобного "пассеизма" лежит в стремлении художников уйти от страха и страданий, от ужаса и потрясений нового века, когда кризис традиционной религиозности порождает множество новых религий и сект, когда Россию и Европу раздирают политические противоречия.
 |
| М. Шагал. Все краски музыки |
Но уже в произведениях второго поколения мирискусников, к которому принадлежали З.Е. Серебрякова ("Крестьяне"), Б.М. Кустодиев ("Купчиха" и "Масленица") и др., обнаружилась не только характерная близость эстетике неоклассицизма, но и народной эстетике, представленной ироничной стилизацией народного лубка.
Постимпрессионистическими приемами наполнены работы А.Е. Архипова ("В гостях") и Ф.А. Малявина ("Бабы").
 |
| А.Е. Архипов "В гостях" |
Предреволюционное время явилось настоящим взрывом стилей и направлений в художественном творчестве, в частности в живописи, когда создаются столь различные по эстетике произведения, как "Церкви. Новый Иерусалим" А.В. Лентулова, "Прогулка" или "Музыка" М.З. Шагала и "Уборка хлеба" Н.С. Гончаровой, "Мать" и "Натюрморт со скрипкой" К. С. Петрова-Водкина, "Сумеречное" или "Импровизация" В.В. Кандинского и "Пирамидальный тополь" Р.Р. Фалька, "Портрет поэтессы А.А. Ахматовой" Н.И. Альтмана, "Портрет режиссера В.Э. Мейерхольда" Б.Д. Григорьева и "Автопортреты" В.И. Шухаева и А.Е. Яковлева.
Вот такая неожиданная экскурсия в мир театра и музыки, которая, ожидаемо, не обошлась без рассказа о танце и живописи. Которые, как кажется, никогда не будут лишними в этой связке.
***
#блог_искусство_и_художественная_культура
Блог "Искусство и художественная культура" * Blog "Art and Artistic Culture"
#блог искусство и художественная культура #artblog #art #design #party #артблог
#театр #москва #theatre #искусство #спектакль #красота #музыка #любовь #актриса #культура #moscow #спб #санктпетербург #питер #россия #премьера #art #танцы #вокал #актер #творчество #сцена #шоу #actor #spb #балет #ballet #танцы #dance #балерина #ballerina #дети #dancer #растяжка #хореография #dancelife #russia #музыка #choreography #красота #классическийтанец #танцуем #модерн #happy #танец #современныйтанец #танцуютвсе #детскийбалет #танцыновокузнецк #танцор #школатанцев
#музыка #music #топ #песни #счастье #жизнь #видео #питер #концерт #девушка #песня #голос #отдых #красота #фото #musicvideo #красиво #МХАТ #МихаилФокин #ИгорьСтравинский #ВераКомиссаржевская #АлександрТаиров #АлександрВеснин #ЛюбовьПопова #СавваМамонтов
Комментарии
Отправить комментарий